Aunque comúnmente se cree que sólo se trata de un género musical que se ha consolidado y popularizado en las últimas décadas, la historia del hip-hop data de hace 50 años con un movimiento cultural en Estados Unidos que integró formas de expresión, tanto visuales como auditivas, con las cuales comenzó una revolución que repercutió en la cultura de la música, la moda, la política, el arte, la danza y más.
El próximo 11 de agosto se cumplirán 50 años del nacimiento del hip-hop, movimiento que comenzó en una fiesta en el Bronx de Nueva York, y que sin imaginarlo fue la puerta para que cientos de artistas construyeran una cultura que para muchos existió como una ventana para hablar, reflexionar o incluso encontrar una alternativa a la realidad llena de violencia, pobreza y desigualdades en la que se encontraban.
Hoy en día el rap, que es el género musical que nació del hip-hop, es uno de los más importantes y relevantes dentro de la industria, algo para lo que los artistas pioneros y otros más han tenido que recorrer y adaptarse a un largo camino.
Así que para conmemorar la fecha, acá hacemos un breve resumen sobre las fechas, personajes y eventos más importantes en la historia del movimiento del hip-hop:
¿Qué es el hip hop?
La cultura del hip-hop tiene cuatro pilares que lo sostienen: el MC (rapear), el DJ (turntablism), el BBoy (breakdance), y el arte del Graffiti. Si bien todas estas formas de expresión artística conforman el movimiento cultural del hip-hop y lo definieron desde la época de los años 70, no hay que confundir a este movimiento con el rap, que es el género musical que nace de la fusión del MC y el DJ.
El hip-hop tuvo sus inicios en la década de los 70 en Nueva York, más específicamente en el Bronx, un barrio que desde hace años tiene fama de ser el más peligroso de dicho estado y donde la inseguridad, las drogas y los crímenes están a la orden del día. Irónicamente no siempre fue así.
Contexto histórico detrás del nacimiento del Hip-hop
La ciudad de Nueva York se constituye de cinco municipios: Brooklyn, Queens, Manhattan, Staten Island y el Bronx, éste último dividido en norte y sur. En el siglo XX (por ahí de 1900), el sur del Bronx tuvo su auge urbano luego de que miles de migrantes llegaran a la zona con la esperanza de escapar de los estragos de la Primera Guerra Mundial.
Ciudadanos europeos (en su mayoría italianos, irlandeses y judíos) llegaron al Bronx y provocaron que la zona se convirtiera en un municipio en auge obrero. Sin embargo, luego de la guerra, al norte del Bronx se comenzaron a construir casas que se vendían a precios baratos, lo cual llevó a miles de personas a migrar hacia esa zona.
El sur del Bronx se quedó con afroamericanos y gente latina, la mayoría migrantes humildes que llegaron a Nueva York con el sueño de tener una mejor calidad de vida. Un sueño que se vio frustrado luego de la Gran Depresión y la construcción de obras como el Cross-Bronx Expressway, una carretera que pasaba por en medio del Bronx y que conectaba con Manhattan.
Con el paso de los años el sur del Bronx se convirtió en un lugar sin negocios (por ende tampoco había trabajos) y donde comenzaron a vivir personas desempleadas que recibían ayuda económica del gobierno estadounidense. Las personas de la zona se sumergieron en un ambiente marcado por la pobreza, la inseguridad y decenas de edificios abandonados o en ruinas.
DJ Kool Herc, el padre del hip-hop
Teniendo ese contexto entendemos cómo la juventud del Bronx comenzó a usar las calles para encontrar ratos de entretenimiento. Por si les interesa el tema, existe una serie en Netflix llamada ‘The Get Down’, que habla de cómo un grupo de jóvenes en esa época usaba la música como un arma para luchar y protestar contra el sistema y la corrupción de las autoridades de Nueva York.
Regresando al tema, las fiestas callejeras en el Bronx no eran nada nuevo y fue en una de ellas donde el género musical del hip-hop nació de la mano de DJ Kool Herc, quien el 11 de agosto de 1973 tocó en la fiesta que su hermana, Cindy Campbell, organizó en un edificio de departamentos ubicado en Sedgwick Avenue 1520, donde jóvenes celebrarían el próximo regreso a clases.
Clive Campbell, el nombre real de DJ Kool Herc, migró de Jamaica a Nueva York a los 12 años y trajo toda la influencia de los sistemas de sonido (populares en la escena del reggae en dicho país) y las fiestas callejeras amenizadas por Dj’s.
Sabiendo lo importante que era tener música para amenizar ese tipo de eventos y con su intención de convertirse en DJ, Campbell aceptó tocar en la fiesta de Cindy esa noche donde se dio cuenta de que la gente se emocionaba cuando sonaban partes instrumentales en rolas de Jame Brown.
Ese día DJ Kool Herc hizo un experimento: tocar dos discos iguales en dos tornamesas y con ayuda de la aguja repetir/mezclar esas partes de las canciones. Esta técnica, nombrada como ‘The Merry-Go-Round”, fue la que dio inicio al movimiento del hip-hop hace 50 años.
El nacimiento del rap en el movimiento del hip-hop (1979-1983)
Con la popularidad de sus fiestas, también crecieron la cantidad de jóvenes que sacaban sus mejores pasos en la pista. DJ Kool Herc los llamó “B-Boys y B-Girls” (la abreviatura de Break-Boys y Break-Girls) y se convirtieron en los primeros bailarines del llamado ‘breakdance’.
Aunque claro, como padre del hip-hop, Dj Kool Herc tuvo su influencia en otros aspectos del movimiento como el del MC, que descubrió gracias a su amigo Coke La Rock, quien lo acompañaba a amenizar las fiestas donde él tocaba como DJ.
En una de esas fiestas, Coke La Rock dijo algo como “No hay un hombre que no se pueda tirar, ni un caballo que no se pueda montar, un toro que no se pueda detener, no hay una discoteca que yo Coke La Rock no puede rockear”, que se considera la primera rima de rap en la historia del hip-hop.
El hip-hop NO es un género musical (aunque muchos crean lo contrario)
Aunque –como dijimos antes– el hip-hop es un movimiento cultural, las personas comenzaron a tomar el término para referirse al género musical del rap, que justamente surge de la mezcla entre dos pilares del hip-hop: el MC y el DJ.
Ese término se usa popularmente desde el año 1979, cuando el trío Sugarhill Gang lanzó la canción “Rapper’s Delight”, que si bien no fue la primera canción de rap en lanzarse al mercado (antes lo hizo Fatback Band con la rola ‘King Tim III (Personality Jock)’”, si ayudó a que el género musical se popularizara.
Con el éxito de Sugarhill Gand el rap se extendió y popularizó rápidamente e inspiró a otras figuras importantes como Grandmaster Flash y Grand Wizzard Theodore a innovar sus propias técnicas con la mezcla de discos en tornamesas. A otros músicos como Afrika Bambaata, los llevó a definir los cuatro pilares en los que se basa el movimiento del hip-hop.
A finales de esa década de los 70, el hip-hop ya era algo de interés nacional en Estados Unidos y cada vez más muchos querían seguir los mismos pasos que DJ Kool Her y compañía, animados por la revolución de la tecnología de grabación y el uso de sintetizadores, samplers y cajas de ritmos que facilitaron el trabajo donde ya no era necesario el uso de las tornamesas.
La aparición de la ‘Nueva Escuela’ y la ‘Era Dorada’ del Hip-Hop (1984-1997)
El éxito de The Sugarhill Gang fue sólo el principio del fin. “Rapper’s Delight” se considera el final en la era de la vieja escuela del hip-hop, la cual se caracterizó por una experimentación simple, influencias funk y disco, así como letras que en su mayoría hablaban de pasarla bien en fiestas.
La popularidad de esa canción abrió las puertas a otros músicos y artistas a entrarle al género del rap y a esta nueva era se le conoció como la ‘Nueva Escuela’ del hip-hop, cuyos cambios a su vez dieron paso a la llamada ‘Epoca Dorada’ dentro del movimiento.
Los artistas que definieron la Época Dorada del Hip-Hop
En esa etapa brillaron artistas como los Beastie Boys, Public Enemy, Run-D.M.C. y LL Cool J, quienes definieron los parámetros del hip-hop como lo conocemos en la actualidad: canciones cortas con una producción liderada por cajas de ritmos y sampleos, donde el contenido lírico tenía, en su mayoría, mensajes sociopolíticos o con temas más profundos y complejos.
En el caso de LL Cool J, fue en 1985 cuando el rapero de Queens, Nueva York, dio las primeras baladas de rap de la mano de la recién inaugurada compañía discográfica Def Jam Records, fundada un año antes y que se convirtió en la disquera del hip hop por excelencia.
Con Beastie Boys, el trío originario de Brooklyn ganó popularidad por ser una banda de hombres blancos (la mayoría de raperos eran negros en esa época) que mezclaban rap con géneros como el rock y el punk, que además fueron pioneros en el sampleo digital acompañados de letras con tono ácido.
Por su parte, Run-D.M.C. fue quizá de las bandas que más peso e influencia tuvo dentro de la ‘Nueva Escuela’ del hip hop, pues impulsó el género como ningún otro artista lo había logrado: aparecieron en películas, consiguieron patrocinios, tuvieron el primer video de rap que se transmitió por MTV (“Rock Box”) y hasta llegaron a ganar una nominación en los premios Grammy.
Él éxito del disco de Run-D.M.C., publicado en 1984, dejó ver el gran peso que el rap tenía en el terreno artístico, comercial y cultural. Algo que inevitablemente llevó al género a expandirse en una escena musical que en ese momento estaba dominada por géneros como el pop, el dance, entre otros.
El nacimiento del rap ‘con conciencia’ en la historia del hip-hop (1983)
Con la popularidad que ganó el hip-hop aparecieron cada vez más artistas que buscaban figurar en las listas de popularidad de la época. Pero también, apareció una oleada de raperos que comenzaron a usar su música como estandarte de protesta.
Cronológicamente los primeros en hacer esto fueron Grandmaster Flash and the Furious Five con “The Message” (1982), una canción donde la banda habló de cómo la pobreza, la violencia y la desigualdad social paulatinamente orillaban a las personas a adentrarse al mundo de la delincuencia no por decisión propia.
La canción fue un éxito y también fuente de inspiración para bandas importantes como Public Enemy, que comenzaron a popularizar las primeras canciones de hip-hop donde los juegos de palabras tocaban temas políticos y sociales a los que se enfrentaba la comunidad afroamericana.
En esta etapa del hip-hop aparecieron artistas del ‘rap con consciencia’ como Nas, N.W.A., Mos Def, Lauryn Hill, De La Soul, A Tribe Called Quest y Queen Latifah, entre otros, que abonaron a la maduración del hip-hop con letras reflexivas. Pero que también abrieron paso al Gangsta Rap y a rivalidades que terminaron mal.
El nacimiento del Gangsta Rap y la rivalidad entre la Costa Este y la Costa Oeste (1987-1997)
Desde los inicios del movimiento del hip-hop nacieron los ‘beefs’ entre artistas, donde a base de rimas peleaban al mencionarse sus amorosas fallidas, temas como la envidia, o cualquier situación que para la otra persona fuera motivo de risas o burlas (algo que hoy vemos en las llamadas Batallas de Gallos).
En la ‘Edad Dorada’ del hip-hop y con la llegada de más raperos en la escena, las batallas entre artistas se popularizaron. La diferencia era que ahora con el auge del género, las compañías discográficas vieron en estas peleas una manera de aumentar sus ventas a través de la controversia. Al menos así fue hasta que comenzó la pelea entre la Costa Este y la Costa Oeste.
El nacimiento del West Coast Rap en el mundo del hip-hop
Mientras a finales de la década de los 80 en Nueva York el hip-hop estaba en su auge y era cada vez popular, en 1987 en Compton, California, se desarrollaba un movimiento derivado del hip-hop: el West Coast Rap.
Se trata de un subgénero del rap que parece similar al rap con conciencia del East Coast Rap (el rap nacido en Nueva York), aunque con una notable diferencia de letras más explícitas donde se glorificaba o hablaba crudamente de crecer en el mundo de las pandillas.
Aterrizándolo a términos coloniales, el East Coast Rap (Rap de la Costa Este, de Nueva York) da un mensaje sobre lo que es vivir y luchar en un entorno marcado por la pobreza y la delincuencia. Acá su característica musical era el uso de instrumentación más común y clásica.
Por su parte, el West Coast Rap (Rap de la Costa Oeste, de California), hablaba más de la vida entre pandilleros, la glorificación de la vida en el ghetto y la brutalidad policiaca. Su característica musical era que predominaban los instrumentos digitales como los sintetizadores.
Así inició la pelea entre la West Coast y la East Coast
En 1986 Ice-T publicó la canción “6 in the Mornin’”, considerada la primera canción de Gangsta Rap, aunque fue hasta 1988 cuando este subgénero se popularizó de la mano del grupo N.W.A (DJ Yella, Dr. Dre, Eazy-E, Ice Cube, MC Ren y Arabian Prince) y con el disco ‘Straight Outta Compton’, donde rapeaban sobre la brutalidad policial, el tráfico de drogas y la vida en el ghetto.
Si bien los raperos de ambas costas comenzaban a ganar popularidad, para el año de 1991 la rivalidad entre la West Coast y la East Cost comenzó con “Fuck Compton”, canción del rapero Tim Dog donde le tiró a los integrantes de N.W.A y criticó el estilo de los raperos de la Costa Este.
“Fuck Compton” recibió canciones en respuesta por parte de raperos de Nueva York. Y aunque el pleito entre ambas costas se limitaba a los estilos musicales y las letras que presentaban sus exponentes, la ecuación cambió cuando los nombres de Tupac Shakur y The Notorious B.I.G. entraron a la conversación.
Una lucha de disqueras y la enemistad de Tupac Shakur y Notorious B.I.G (1992-1997)
Cuando en 1992 Dr. Dre deja N.W.A., el músico se fue a la recién creada Death Row Records, compañía discográfica de Suge Knight que firmó a artistas como Snoop Dogg, Tha Dogg Pound, MC Hammer y a Tupac Shakur, éste último que se convirtió en el estandarte de la Costa Oeste (California) y en uno de los artistas top de Death Row Records.
Mientras tanto en Nueva York, un año después, el productor Sean Combs (Puff Daddy) creó su compañía discográfica Bad Boy Records, donde firmó a The Notorious B.I.G, quien tuvo la misma relevancia que Tupac Shakur en la Costa Este.
Aunque ambos raperos fueron amigos antes de firmar en las disqueras mencionadas, en noviembre de 1994 Tupac Shakur fue víctima de un tiroteo a las afueras de su estudio, ubicado en el barrio de Queens, donde quisieron robarle sus joyas.
El cantante salió del hospital días después no sólo con miedo de sufrir otro ataque similar, sino también con una gran paranoia de no tener idea si alguna de las personas cercanas a él fue quien ordenó el ataque para robarle sus objetos de valor.
La enemistad entre Tupac Shakur y The Notorious B.I.G.
El miedo y la incertidumbre llevaron a Tupac a repartir culpas en varias de sus canciones donde le tiró a varios artistas, entre ellos Biggie, y los señaló de tener algo que ver en el tiroteo en su contra.
Si bien ninguno se pronunció sobre eso en su momento, tres meses después The Notorious B.I.G. lanza la canción “Who Shot Ya” que fue la gota que derramó el vaso, pues la historia de la rola –producida por Puff Daddy bajo el sello de Bad Boy Records– era de un sujeto que mandaba a tirotear a otro y después se burlaba de lo ocurrido.
Biggie y Puff Daddy mencionaron que la canción ya se había escrito y grabado meses antes del ataque que sufrió Tupac. Sin embargo, el rapero de California tomó a “Who Shot Ya” como una confesión de The Notorious B.I.G, quien supuestamente sabía del ataque y nunca le dij
En esa época Tupac estaba en la cárcel acusado de abuso sexual. Salió gracias a Suge Knight, que pagó su fianza. Después el músico lo unió a las filas de Death Row Records y Tupac Shakur lanzó su respuesta a Biggie a través de la canción “Hit Em Up”, donde le dijo a Biggie que se acostó con su esposa y le recordó que era exitoso por ser un copión.
La rivalidad de Biggie y Tupac comenzó y se hizo grande en gran medida gracias a la prensa de Estados Unidos, que luego de darse cuenta del alcance que tenían sus contenidos relacionados seguían cada suceso en la pelea entre la Costa Este y la Costa Oeste.
Por su parte, otras personas consideraban que el trasfondo de esta rivalidad era más relacionada a los sellos discográficos involucrados, quienes vieron una oportunidad de aumentar sus ventas. Algo que si bien lograron, al final no resultó bien.
El 7 de septiembre de 1996, Tupac viajaba en el asiento de copiloto junto a Suga Knight. Los raperos se detuvieron en un semáforo de Las Vegas cuando recibieron varios disparos desde otro auto en movimiento; Tupac Shakur fue herido y murió seis días después debido a la gravedad de sus lesiones.
Biggie y Puff Diddy fueron los primeros sospechosos del asesinato de Tupac. Ambos lo negaron hasta el cansancio y seis meses después, The Notorious B.I.G murió de la misma forma que Shakur: con varios disparos que le dieron desde un auto en movimiento en un semáforo de Los Ángeles, California.
Los asesinatos de Tupac y Biggie nunca se resolvieron, pero luego de su muerte básicamente desapareció la disputa entre la East Coast y la West Coast, pues sus máximos exponentes perdieron la vida por culpa de un evento que si bien pudo evitarse, también les dio el estatus de leyendas que mantienen actualmente.
La expansión del hip-hop y la llegada del Southern Rap (1990-2006)
Mientras la disputa entre la Costa Este y la Costa Oeste captaba la atención de todos, la cultura del hip-hop se expandía aún más y comenzaba a llegar ahora a ciudades del sur de Estados Unidos, como fue el caso de Houston, Atlanta, Nueva Orleans y Memphis.
Estas ciudades vieron nacer a grandes estrellas del hip-hop que tuvieron una chamba un poco más complicada que los artistas de Nueva York y California, ya que ahora debían comprobar que el rap del sur (Southern Rap) estaba a la misma altura de artistas como el Wu-Tang Clan que dominaba el género en esa época.
Pioneros, fueron los Geto Boys de Houston quienes arrancaron con el Southern Rap en 1991 con la canción “Minds Playing Tricks On Me”, aunque en la década de los 90 aparecieron varios artistas y sellos discográficos que después alcanzaron la fama mundial.
A finales de los 90 y principios de los años 2000, artistas como C-Murder, Lil Wayne, T.I., OutKast, Boosie Badazz, Missy Elliott, Three 6 Mafia, Khari Crooms y Kanye West, quienes llevaron al mainstream el rap del sur de los Estados Unidos –especialmente a la ciudad de Atlanta– y lo convirtieron en el nuevo centro creativo del hip-hop.
Aunque el estilo musical era similar a las bases del hip-hop, el Souther Rap se distinguió por canciones con influencias más marcadas del punk, el funk y la electrónica, donde los artistas hablaban –en su mayoría– sobre experiencias personales de ser personas negras que nacieron y crecieron al sur de los Estados Unidos.
Para mediados de los años 2000 el rap ya era uno de los géneros musicales que no sólo sobresalía de otros gracias a artistas como OutKast y compañía en el sur, o Eminem y 50 Cent en el Este y Oeste, sino que ahora también era fuente de inspiración para otras bandas emergentes de géneros como el pop.
El más claro ejemplo de ello lo dieron boy-bands del momento como N’Sync y los Backstreet Boys cuyos trabajos tenían fuertes influencias del hip-hop y se cimentaban en géneros musicales como el rap, el R&B y otros que históricamente eran de cantantes negros.
Del mainstream al streaming: El hip hop en el Siglo XXI (2001-2023)
El inicio del Siglo XXI fue un parteaguas agridulce en la historia del hip-hop: por un lado, el género del rap ya tenía un estatus y reconocimiento a nivel internacional por el que tanto había luchado, pero la llegada de la era digital y las descargas ilegales/piratería afectaron fuertemente sus ganancias.
Para muchos artistas, los 2000 marcaron la llegada del hip-hop al terreno del mainstream, pues ya no era un movimiento sólo conocido en los Estados Unidos. Incluso varios artistas del género comenzaban a aparecer en otras partes del mundo como Latinoamérica, donde iniciaban Residente y Canserbero, o en las que bandas como Control Machete estaban en auge.
Para otros, la llegada del rap al mainstream implicaba un retroceso; ahora las personas sólo consumirían hip-hop sin importarles el contenido o calidad de las canciones (de hecho Nas lanzó un disco llamado ‘Hip Hop Is Dead’ que habla de eso).
Lo cierto es que si bien en este nuevo siglo aparecieron artistas que comenzaron a rapear sobre lujos y excentricidades, también apareció una nueva ola de raperos y raperas que trajeron de vuelta el rap consciente: Lupe Fiasco, J Cole, Kendrick Lamar, Little Simz y M.I.A. fueron algunos de los artistas que destacan.
El internet y las redes sociales en el hip-hop de la actualidad
En la última década el rap ha evolucionado de la mano de la tecnología y las redes sociales que han tenido un impacto profundo en la creación, distribución y hasta consumo del hip-hop, pues ahora la música está al alcance de un click.
A comparación de otras épocas, plataformas como internet han ayudado a artistas emergentes a llegar a cualquier parte del mundo sin la necesidad de la validación de la industria y creando canciones con toda la libertad de mezclar géneros, técnicas y más elementos que hace 50 años eran impensables.
A pesar del paso de los años, el hip-hop contemporáneo mantiene su esencia de ser un espacio de expresión personal y llevar mensajes socialmente importantes de la actualidad como el racismo, la desigualdad, la salud mental y otros temas que aquejan a la sociedad.
Artistas del hip-hip como Travis Scott, Drake, Megan Thee Stallion, Nicki Minaj, Doja Cat, Cardi B, Migos, Tyler the creator, Tierra Whack, Lil Nas X entre muchos otros más, nacieron en esta nueva generación del rap. Un género musical que, sin duda alguna, ha recorrido un largo –pero muy destacable.
Cambiante, popular y pilar importante en la industria musical, el rap se creó hace 50 años por accidente y desde entonces ha sido fuente de inspiración, pero también estandarte, de miles de artistas que continúan con un legado que a 50 años parece jamás acabará.
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