Del 12 al 14 de julio se llevará a cabo la edición del MUBI Fest en la Ciudad de México. Esto nos emociona mucho porque se trata de una serie de proyecciones de películas clásicas y nuevas que, a veces, no llegan a la pantalla grande o a plataformas de streaming más “usuales”.
Ahora bien. Hemos de decir que MUBI llegó para aportarnos con su catálogo una variedad de películas que si bien apuntan a un cine (saquen su copa de vino) de autor o de arte, no son exclusivas de ese lugar. Y el MUBI Fest se trata de eso: abrir las carteleras.
Y para este año, se lucieron con más de 20 películas que estarán en la Cineteca Nacional, y que incluyen grandes obras de directores como David Lynch, Aki Kaurismäki, Andrei Tarkovsky, Park Chan-wook, Wim Wenders, Sofia Coppola, Anton Corbijn y muchos más.
Así que por acá les dejamos cinco de nuestras películas imperdibles en el MUBI Fest Ciudad de México para este 2024.
Dahomey
Mati Diop
Mati Diop es una actriz y directora francosenegalesa que llamó la atención dentro de la industria del cine internacional, en 2019, por Atlantique. Esta cinta participó en el Festival de Cannes y la convirtió en la primera cineasta negra en competir por la Palma de Oro, llevándose en Premio del Jurado.
Este 2024 regresó con Dahomey, un documental, el cual se llevó el Oso de Oro en la Berlinale (la segunda producción africana en llevarse este galardón). Nos muestra el largo recorrido para que se llevara a cabo la devolución de los tesoros robados por potencias de Occidente durante su estancia en África, específicamente de la República de Benín (conocida hasta la década de los 70 como el Reino de Dahomey).
Dahomey fue colonia de Francia durante un largo periodo, y este filme, en palabras de la directora, es más que una película: se trata de un statement político que aborda una conversación que ahora le pertenece a la población, sobre todo a los ciudadanos de las regiones que fueron colonizadas por países de Europa. Es un filme sobre cómo la justicia se ha acomodado, históricamente hablando, a los intereses de las potencias.
¿Cómo es que permanece la identidad de un país que fue saqueado en el sentido más literal de la palabra Este es un debate largo y complicado, pero justo Dahomey pone sobre la mesa la reconstrucción de una historia que intentaron robar y borarr, pero que se conservó entre la gente y la cultura.
Viernes 12 de julio en la sala 7 a las 5:30 pm.
Ascenso y caída
Kevin Macdonald
Cuando un artista, celebridad (o personas famosa, pues) es cancelada, hablamos de ella en tiempo pasado. Y no es que asumamos que está “muerta”, pero entendemos el proceso de cancelación como una forma de borrar la memoria de la persona en cuestión. Pero se botón de “eliminar” es selectivo, y sólo apunta a olvidar lo bueno y recordar lo malo.
Estemos o no de acuerdo con la infame y recurrente cancelación de personas, la realidad es que es un mecanismo que poco o nada hace por resolver el conflicto que provocó la cancelación en un principio. Es decir, se cancela a la persona, pero el discurso, la ideología, la acción permanecen y se reproducen de otras formas y con otros nombres.
Y es esto de lo que trata Ascenso y caída, el documental de Kevin Macdonald sobre la carrera de John Galliano. A Macdonald lo recordamos por cintas como El último rey de Escocia de 2006, el documental de Whitney (Houston) de 2018 o The Mauritanian de 2021. Por lo que podemos ver, le sabe bien al cine documental y las ficciones que denuncian temas sociales y políticos.
Luego tenemos a John Galliano, una de las más grandes figuras de la industria de la moda, sobre todo de la alta costura. Galliano, durante décadas, fue una súperestrella en el mundo de la moda, destacando en un inicio de su carrera como la cabeza de Givenchy para luego ser el director creativo de Dior durante 15 años.
Todo terminó, de manera abrupta, cuando en 2011, mientras estaba borracho, hizo unos comentarios negativos sobre la comunidad judía. Ascenso y caída no pretende justificar el discurso racista de Galliano, ni tampoco convertirse en una larga disculpa.
Lo que este documental hace es un repaso en la vida del diseñador para hablar de creación artística y el concepto que tenemos de “genio”; revelando que la industria de la moda es un negocio que busca generar dinero a costa de los artistas. Si bien la moda se consume, la industria va a un ritmo tan acelerado que al final, terminamos consumiendo a la persona.
Sábado 13 de julio en la sala 8 a las 4 pm y 8:45 pm.
El sacrificio
Andrei Tarkovsky
Se puede decir mucho de Andrei Tarkovsky: de su filmografía, de lo que creó, de cómo era un visionario, de sus conversaciones sobre el cine, de las conversaciones que abría con su cine, de cómo sus siete películas navegaban entre los sueños y la realidad… Pero nunca será suficiente.
Este director soviético luchó contra la narrativa del sistema político de la URSS, el cual etiquetó sus filmes como elitistas. Pero el artista jamás se comprometió, y prefirió el exilio a dejar de hacer el cine que creía se convertía en poesía. Y es durante este periodo que filmó una de las obras más bellas y devastadoras: El sacrificio.
Esta película de 1986 fue su última, y lo llevó a la isla sueca de Gotland para filmarse. Sumó en su equipo de producción al cinefotógrafo Sven Nykvist, colaborador del mismísimo Ingmar Bergman. El sacrificio tiene un título bastante literal para la base de su historia, (y no es queja), pero es la construcción de las imágenes la que la eleva y la convierte en una constante metáfora.
Aquí vemos a una familia adinerada que se prepara para celebrar el cumpleaños de Alexander, un hombre que se encuentra desilusionado, por no decir triste, sobre el estado espiritual del mundo. Y todo esto sucede mientras la Tercera Guerra Mundial amenaza con el fin de todo lo conocido, de la humanidad.
El sacrificio es una belleza que nos pregunta sobre la celebración de una vida (que es la vida de muchos) frente el horror del fin. Pero no un fin inminente que forma parte de un proceso natural, sino el fin nos forja en una muerte en vida, en una falta de propósito para seguir y destruirlo todo. Prepárense para ver esta restauración en 4K y sentirse demolidos al cierre.
Sábado 13 de julio en la sala 3 a las 12 pm y 5:30 pm.
Battle Royale
Kinji Fukusaku
El tema de la violencia y su uso en el cine siempre ha generado un intenso debate entre críticos, creadores y la audiencia. Se habla de la responsabilidad con la que debe presentarse para no normalizarla y afectar a los espectadores; y al mismo tiempo también se habla de la responsabilidad de quienes la consumen y la capacidad para discernir su propósito.
Estén de un lado, del otro o entre los dos, la realidad es que ninguna expresión de violencia ha podido superar el impacto que genera en la realidad. Y parece algo bastante obvio, pero justamente la existencia de ese debate es la que nos permite repetirlo.
Hablamos de violencia porque en esta lista está Battle Royale, una cinta del 2000 dirigida por Kinji Fukusaku, basada en el libro homónimo de Koushun Takami, y que causó muchísima controversia al momento de su estreno por el nivel de violencia que manejó a través de una narrativa más parecida a una sátira que un drama político.
Battle Royale nos muestra un Japón que atraviesa una terrible crisis económica, la cual va de la mano con un rompimiento del orden público y privado. Los más “afectados” son los jóvenes y la incapacidad del Estado para controlarlos. Es por eso que el gobierno japonés emite un acta que sirve como medio y fin: todos los adolescentes deben jugar un juego para sobrevivir.
Todos son llevados a una isla, aún con sus uniformes puestos, y se deben matar entre ellos. Pero por las condiciones del lugar y el hecho de que todos se conocen (incluso algunos son amigos), el juego se desarrolla no sólo para matar a un enemigo, sino de provocar miedo.
Las autoridades castigan de esta manera, o mejor dicho, buscan controlar la violencia ante la imposibilidad de erradicarla. ¿O es acaso que los gobiernos siempre han hecho esto pero de maneras no tan directas? Para terminar, y sólo como dato, Battle Royale es la película que a Quentin Tarantino le hubiera gustado dirigir (y los uniformes de los estudiantes son un guiño al personaje de Gōgo Yubari, interpretado por Chiaki Kuriyama).
Domingo 14 de julio en la sala 3 a las 12:30 pm y 6 pm.
La chica de la fábrica de fósforos
Aki Kaurismäki
Una de las mejores películas que vimos en 2023 fue Fallen Leaves de Aki Kaurismäki, la cual tuvo su premiere en el Festival de Cannes para luego llegar a la cartelera internacional donde tuvo un gran recibimiento. Y no nos sorprende, pues esta cinta es una comedia bellísima con una de las historias de amor más encantadoras y poderosas. AQUÍ les dejamos nuestra entrevista con Alma Pöysti.
Parte de reconocer la genialidad de Fallen Leaves, está en echarle un ojo a la filmografía de Kaurismäki, sobre todo a su famosa Trilogía del Proletariado que arrancó con Sombras en el paraíso de 1986, Ariel en 1988, y La chica de la fábrica de fósforos de 1990.
Y es justo esta última la que llega a la cartelera en México como parte del MUBI Fest. Como el título de la trilogía y el mismo título de la cinta lo indica, su historia de centra en personajes que forman parte de la clase trabajadora en Finlandia, y cuyas historias se cuentan siempre bajo una sombra.
La chica de la fábrica de fósforos nos presenta a Iris, una joven mujer que vive con su madre y padrastro, y trabaja supervisando parte de la línea de producción de fósforos. Su trabajo y su vida son aburridos, por no decir miserables. Y las nulas expresiones de Iris lo reflejan constantemente en un mundo que la ignora por completo.
Cocina, limpia, va a trabajar, nadie la saca a bailar en el bar local. Y cuando un hombre la mira, ella accede a irse con él. Luego, queda embarazada. Iris no vive en una tragedia ni en una comedia. Es un limbo narrativo, y por eso La chica de la fábrica de fósforos es algo indescriptible, puro y nuevo (a más de 30 años de su estreno).
Domingo 14 de julio en la sala 7 a las 9 pm.
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